La suite de mon projet dessiné Distortion : Beyond Edge ne se réalisant plus dans le cadre d’illustrations régulières, mais par la création d’un livre numérique de style artbook (avec des illustrations et autres dessins, mêlés à des informations sur l’univers et ses personnages) qui arrivera quand il sera terminé, voici un recueil de dessins et de vidéos pour vous tenir informés de l’avancée chaque mois. [2025 : MAR – AVR – MAI – JUN – JUI – AOU]

Le mois n’a pas été ultra intense niveau production, mais je suis plutôt content tout de même, pour deux raisons ! D’une part j’ai terminé l’illustration tout au digital d’Em’mie, avec une mise en couleur complète réalisée en intégrant de nouvelles techniques, ce qui en fait le premier dessin fini pour le livre numérique de la phase II de Distortion ! Et d’autre part, j’ai réussi à suivre un petit programme quasi-quotidien de dessin, en m’entraînant sur un ou plusieurs aspect à chaque fois (un peu tout et n’importe quoi). Il n’en a pas résulté énormément de dessins puisque je n’ai fait qu’une ou deux feuille par jour, mais j’ai enfin pris un certain rythme, reste à essayer de travailler plus intelligemment et caler plus de temps pour en faire un peu plus si possible, ou juste d’aller plus vite ^^’

Study, study, study, study…

Chaque jour depuis la deuxième semaine d’août, j’ai donc prévu un petit thème pour faire quelques exercices, parfois très rapides, parfois en y passant plusieurs heures. J’y suis grandement allé au feeling pour le moment, mais je vais essayer d’en corréler une partie avec les besoins des futures illustrations, comme je faisais lors de Monthl’iNK 2024, tout en gardant des exercices de fond (genre dessiner des mains). Les deux grands axes ont été les personnages en mouvement et en perspective, à la fois en me basant sur des photos, sur ma figurine articulée de Link, ou de tête, pour voir si j’ai retenu quelque chose. Un aspect suivant à ajouter sera de donner plus de “souplesse” et de sensation d’appui / gravité à mes poses, qui manquent globalement ici, en particulier quand je ne prends pas de photo comme référence.

Je suis aussi reparti dans ma quête d’arriver à dessiner plus aisément mes personnages sous tous les angles en m’aidant de traits de construction “savamment” pensés, n’étant pas totalement convaincu de la méthode que j’ai trouvée par moi-même depuis l’année dernière qui ne fonctionne pas idéalement sur pas mal de positions (difficile de réinventer la roue). En réfléchissant davantage et intégrant aussi quelques techniques vues par ci par là (ne vous étonnez pas de voir des dessins de mes persos aux styles peu familiers) j’arrive à de meilleurs résultats, mais seule la pratique dira si c’est suffisant ou si je dois modifier la méthode. Le but étant toujours d’arriver à coller au style graphique que j’ai développé jusqu’à présent dans mes illustrations, qui a gardé une certaine uniformité en “bricolant”, et donc pas souvent naturellement sans prendre d’anciens dessins en référence.

Je note une tendance à aller vers plus de “réalisme” en général que le style manga utilisé au feeling à la base (parce que j’aimais bien dessiner comme ça), je n’en suis pas encore à trouver le bon équilibre, cela explique en partie pourquoi je ne suis pas très motivé pour avancer sur les illustrations des persos de type humain, étant un peu trop en phase technico-stylistique intermédiaire, avec la risque de vouloir tout reprendre dans quelques mois, haha.

J’ai aussi intégré deux méthodes intéressantes pour faire marcher le cerveau différemment, à savoir dessiner avec une référence inversée verticalement (ce qui permet de mieux identifier les formes qu’on a devant les yeux et contourner les a priori de ce qu’on “pense” voir), et aussi dessiner en contours sur les formes principales, y compris sans regarder la feuille. J’ai souvent dérivé un thème d’entraînement en terminant le dessin avec d’autres techniques, ça me permet notamment d’avoir pas mal de dessins complets à vous montrer ici, en retravaillant des trucs vus précédemment. En contrepartie d’ajouter ces détails je travaille moins les “fondamentaux” que voulu. J’ai toujours du mal à ne pas “finir” mes dessins et laisser des croquis “déchets” sans essayer de les corriger, mais peut-être qu’une manière plus efficace de progresser serait de segmenter ces phases, pour faire par exemple une session juste sur des croquis rapides de postures, puis développer en détails les résultats les plus intéressants ensuite dans une autre session, plutôt que de parfois avancer sur certains croquis pas très bons, et aboutir à un résultat sans intérêt. On verra si j’y trouve autant de plaisir à dessiner avec cette approche.

Et d’une !

L’encrage du reste du décor de l’illustration d’Em’mie témoin d’une pollution environnementale, a été plus longue qu’espérée, étant donné que j’ai diminué l’épaisseur du trait pour les éléments lointains (peut-être encore plus fin que lorsque j’utilise la plume, j’ai gardé le même brush lui ressemblant), je suis un peu parti dans un vortex de zoom et d’ajout de nombreux détails par rapport au crayonné assez vague, accentué évidemment par le fait de travailler en 1200 dpi (résolution que j’utilise traditionnellement pour appliquer des trames). J’ai réalisé tout l’encrage en stream, c’était sympa de reprendre, et m’a poussé à focus pour avancer plus vite, comme “à la bonne époque“.

Cette illu était une candidate idéale, avec tout ses petits éléments et détails, pour étudier et ajouter des techniques du tutorial vidéo de Bryce Kho concernant la coloration, dont je vous parlais il y a deux mois. Ayant déjà mes habitudes, même si je fais rarement de couleur, comme une bonne partie du chemin est identique à ma façon de faire les trames de ma série d’illustrations de la “phase I”, je n’ai pas suivi sa méthode de A à Z, en gardant par exemple mon fonctionnement d’un unique calque pour tous les aplats (au lieu d’un layer par couleur), j’ai gardé le principal, c’est-à-dire partir des couleurs claires jusqu’aux plus foncées, réutiliser la même couleur pour plusieurs éléments de manière homogène dans le dessin (même si ce n’est pas leur teinte “réelle”), mais aussi comment choisir les couleurs au fur et à mesure. J’ai ensuite ajouté les ombres et quelques “highlights” (principalement des reflets lumineux), et terminé avec un filtre de couleur général pour rendre le tout harmonieux, sans oublier le petit perlin noise des familles pour apporter de la texture. Cette méthode a plutôt été efficace, même si par moment moins fluide que ma façon de fonctionner d’origine, car ça me fait plus de choses à prendre en compte au fur et à mesure, et que je n’ai évidemment pas encore d’automatismes.

Je n’ai en revanche fait qu’une partie des aplats en streams (après un petit visionnage rapide de la vidéo tuto), et terminé petit à petit offline les ombres et ajustements ; c’est typiquement ce genre de phase qui personnellement m’ennuie un peu actuellement en live car c’est assez répétitif et l’avancée est pas forcément assez linéaire pour tout faire en une session. J’avais dit que ma nouvelle façon de streamer me permettrait de lancer même pour peu de temps, mais ça reste encore trop de démarches pour le moment que de simplement ouvrir CSP et déplacer ma tablette, je n’ai pas encore assez simplifié le processus.

Pour obtenir l’artwork complet en haute qualité (j’y ai passé une bonne vingtaine d’heures, estimation à la truffe mouillée), il faudra attendre la sortie de l’artbook-like, sauf si je trouve un moyen intéressant de vous partager ça en avant première. Peut-être un système d’abonnement avec Ko-fi pour accéder au contenu de la “phase II” avant la sortie ? Mais ça voudrait dire être vraiment sûr d’être régulier dans ma production, et sortir au moins un ou deux contenus finis destiné à ce livre numérique chaque mois ; je n’ai pas envie de faire payer les gens qui soutienne le projet pour du rien ^^’ (même si par exemple, en soi, c’est le concept des abonnements sur Twitch, ahah)

Nouveaux horizons

J’avais envie d’explorer des paysages pas encore vus dans Distortion, je me suis donc penché sur le désert, plutôt inspiré de ceux de la frontière Mexique / États-Unis, en faisant quelques petits dessins de la faune et la flore. Ça ne veut pas dire que le jour où un désert apparaîtra dans un truc considéré comme “canon” cela ressemblera exactement à ce que j’ai fais dans ces croquis, mais en voilà déjà un aperçu après quelques simples études ! Comme toujours j’ai “angularisé” le réel, placé des motifs récurrents, et adapté quelques bestioles, tel un rapace, un reptile ou un gros coléoptère… Le petit renard “à sabots” n’est bien entendu aucunement influencé par mon ami toutou pot de colle.

Oui mais chérie, c’est pour le travail…

Terminons sur un point matériel ! Après des mois d’hésitations, j’ai fini par me laisser tenter à commander de quoi m’aider à dessiner le gros robot, en me prenant… un gunpla ! Deux, même. Une fois montés ces Gundam Plastic Models (en stream ?) composés de petits éléments de plastique à assembler pour en arriver à une figurine articulée – si j’y arrive haha -, je pourrai ainsi faire des poses pour m’aider à dessiner Kayte sous toutes les coutures. Je n’ai jamais regardé la moindre série Gundam, les seuls anime avec des mecha que j’ai vu étant les séries Evangelion et Gurren Lagann, mais un peu comme ma “passion” pour les bagnoles sportives, alors que j’ai jamais conduit de ma vie, j’aime bien le design de robots ! En particulier certains de Mobile Suite Gundam 00 avec leurs formes assez rondes et relativement “épurées”.

J’ai jeté mon dévolu sur une des inspirations principales de mon personnage, à savoir le Gundam GNT-0000 00 Qan[T] (*atchoooooou*) dans sa version MG “pour Master Grade” (faisant une vingtaine de centimètres). L’autre inspiration, peut-être plus flagrante est celle du Gundam Exia, dont est dérivé le précédent, que j’ai pris en version SD GN-001REII Gundam Exia Repair II toute mignonne ; d’une parce que ça coûte moins cher qu’un amiibo, deuzio pour me faire la main étant donné que je n’ai jamais monté de gunpla, et troizio il aura une grosse tête bien lisible en tant que référence de dessin. L’autre inspi majeure, puisqu’on en parle, n’est pas un mecha mais un cyborg, soit Mighty Gazelle des jeux F-Zero, qui pilote mon vaisseau préféré. Le real deal serait de prendre la version PG de 30cm (Perfect Grade), du Exia que j’avais vu dans un magasin parisien, mais le prix est vraiment beaucoup plus élevé (~200€) et puis… serai-je capable de monter ce puzzle ? Peut-être que le mois prochain vous n’aurez que des dessins de robots, ahah !

Pour septembre, en plus de continuer les exercices réguliers et, j’espère, terminer l’illustration de Rev et sa moto, j’ai vraiment envie de travailler sur le scénario pour me motiver à savoir précisément quoi dessiner, en regroupant au propre la myriade d’idées que j’ai un peu éparpillées, et surtout en développant plus dans le détail le déroulement des histoires. Comptons sur le retour du mauvais temps pour être plus concentré !

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